Emili Gandia i Ortega

Retrato de Emili Gandia i Ortega / Óleo sobre tela de  65 x 54 cm /  Pintor Alejandro Cabeza 2019 / 

Museu d'Arqueologia de Catalunya

Con este retrato de Emili Gandia sumo uno más a la colección de arqueólogos españoles. Personaje trascendente en la arqueología levantina y nacional. No me consta ningún retrato de el o por lo  menos yo no lo conozco.

Este retrato he decidido realizarlo en unas gamas de tonos claros y suaves que se salen fuera de la tendencia que últimamente estaba realizando para dar otra visión un poco mas colorista y contrastada con la que he obtenido buenos resultados. Suavidad, Soltura, y una visión global de ejecución en todas las partes del cuadro son las virtudes de esta obra. Siempre he comentado que las armonías han de estar a nuestro alcance en todo lo que se pinta. Procurar variar, estudiar otros tonos de color, otros planteamientos. De esta manera uno se enriquece no dejando de aprender para avanzar. Y no quedándose con un oficio limitado, cosa que sucede en una gran mayoría de casos.

Emili Gandia nació el 23 de enero de 1866, hijo de una modesta familia de labradores con cinco hijos. Su madre murió cuando él era pequeño, por lo que estuvo criado en casa de su hermana mayor. En 1886, con 20 años, marchó a Barcelona, ​​muy posiblemente en busca de las oportunidades laborales generadas al calor de la Exposición Universal de 1888 (en un momento de profunda recesión económica de nuestra ciudad).

La figura de Emilio Gandía está ligada fundamentalmente a las tareas de excavación de la ciudad grecorromana de Ampurias entre 1908 1 1937, que detalló de manera cuidadosa, razonada y precisa en sus Diarios de excavación, la obra magna escrita de Emilio Gandía. En estas campañas de excavación llevó la responsabilidad directa y la dirección efectiva de los trabajos de campo —con el cuaderno en una mano y la paleta en la otra—, bajo la dirección primero de Josep Puig i Cadafalch y, más tarde, de Pedro Bosch Gimpera.

A lo largo del primer tercio del siglo XX, se le encargaron numerosas misiones arqueológicas y trabajos relacionados con el patrimonio cultural de Cataluña, entre las que cabe destacar las campañas de recuperación de las pinturas románicas del Pirineo (1919-19213), con el arranque y traslado al Museo de Barcelona de las pinturas murales (San Clemente y Santa María de Taúll, San Juan de Bohí...); así como su participación en la instalación y adecuación del Museo de Arte de Cataluña y del Museo de Arqueología de Cataluña.

Fue un personaje muy importante en el nacimiento de la arqueología y museología catalanas —por la magnitud de su tarea realizada y por la incorporación de pautas de modernidad de trabajo que han perdurado muchos años—, pero la importancia de sus colaboradores (Puig y Cadafalch, Folch i Torres, Bosch Gimpera, Almagro, etc.), su procedencia y condición social y su formación autodidacta —sin titulación universitaria— fueron circunstancias que minimizaron la importancia de su obra en el contexto cultural de Cataluña en el primer tercio del siglo XX.

Terminada la guerra, Emili Gandia todavía aprovechó sus últimos meses de vida para dar clase en Badalona, donde dejó un recuerdo imborrable en muchos de sus alumnos.
Murió en Barcelona el 13 de diciembre del mismo año 1939.

Jorge Civis Llovera

Retrato de Jorge Civis Llovera / Óleo sobre tela 81 x 60 cm / Colección Museo Geominero de Madrid

 / Pintor Alejandro Cabeza 2019

El retrato de Jorge Civis Llovera se conserva en Museo Geominero de Madrid, colección que, desde sus inicios en el siglo XIX, albarca casi medio centenar de pinturas.

En esta obra he optado por una representación de corte clásico en tonos tierra, siguiendo una línea predominante en cuanto a tendencia y tamaño. Su formato está en los límites que permiten representar los brazos y las manos del modelo, lo que implica una cierta dificultad para mantener la naturalidad en la composición. En la mayoría de retratos de la colección, de hecho, se huye del inconveniente recurriendo sencillamente al busto y anulando las extremidades superiores. En algún otro menos prudente, por el contrario, se intentan introducir a toda costa, forzando una reducción exagerada del tamaño natural que da lugar a composiciones necesariamente artificiosas y mucho menos realistas. En mi caso concreto la solución ha consistido en colocar las manos en el ángulo izquierdo del cuadro, muy discretamente y respetando el tamaño natural del conjunto, de tal forma que la sensación de realidad que normalmente persigo no se vea menoscabada.

El resultado final es un retrato suelto y equilibrado de color, que recurre al claroscuro en el rostro para crear una atmósfera natural e íntima en una composición elegante y personal que dota al modelo de distinción y armonía. Valores todos ellos fundamentales para lograr un buen retrato.

A veces las obras de artes se convierten en víctimas de circunstancias marginales que en realidad poco tienen que ver con el arte, pero que actúan a modo de interferencias generando desequilibrio alrededor: a veces los cuadros sufren el disgusto por lo que vemos, el descontento por lo que tenemos ‒o lo que nos falta‒ y la decepción inevitable de nuestras expectativas. Sin embargo, no debemos permitir que ninguna de estas contrariedades desvíe nuestro trabajo del camino trazado por la honradez intelectual; de lo que, en conciencia y como profesionales responsables, sabemos que respeta y enriquece al tiempo los verdaderos valores del arte. De lo contrario, como artistas, dejaríamos de ser nosotros mismos para convertirnos en esclavos de juicios ajenos, a menudo insuficientemente formados o sencillamente mediocres.

Jorge Civis Llovera (1948 - 2017) fue licenciado en Ciencias Geológicas por la Universidad de Barcelona y doctor en Ciencias Geológicas por la Universidad de Salamanca, donde, durante 40 años, desempeñó sus labores docentes y de investigación, que dieron lugar a más de 200 publicaciones. Fue presidente de la Sociedad Geológica de España, vicepresidente de la Sociedad Geológica de Francia, presidente y vicepresidente de la Asociación Europea de Sociedades Geológicas, miembro del Comité Asesor Científico del Centro Nacional de Investigación sobre la Evolución Humana y, desde 2012, director del Instituto Geológico y Minero.

Odón de Buen

Retrato de Odón de Buen / Óleo sobre tela 55 x 46 cm / Colección de la Universidad de Zaragoza /

 Alejandro Cabeza 2017

Nos encontramos ante otro personaje histórico de igual importancia que el del Geólogo Lucas Mallada y que a sufrido el mismo ostracismo social en nuestro magnifico país de ilustres olvidados. Odón de Buen y del Cos (Zaragoza, 1863 - México 1945) fue un naturalista español que se destacó como fundador de la oceanografía española. 

Su icono-grafía plástica en un periodo de mucha mas tradición retratista como fue la suya. Se podría decir que es prácticamente nula e inexistente, a excepción de una escultura que lo representa mas o menos a la edad que en mi retrato por el gran escultor Valenciano Mariano Benlliure. Este retrato surge como un boceto preparatorio del que podría ser un retrato de mayor envergadura, pero esto dependerá de muchas cosas y circunstancias.

Pero lo verdaderamente importante que rodea a estas obras y su realización, al margen de los personajes que sin ninguna duda lo merecen, es como han de nacer y que hay que sentir como pintor hacia ellos. Cuestiones importantes y necesarias que en mi caso siempre son motivación en cada uno de mis retratos.

Colección Contemporáneos del Mundo 29, Serie Indagación sobre la memoria y el juicio, Madrid/México D. F., 2013.)

–¿Cómo describiría los pasos más presentes en su proceso creador de una obra pictórica? ¿Serían diferentes para un retrato que para un paisaje? ¿Método de creación?

Básicamente son los mismos para el retrato y para el paisaje. La obra de arte se cuece en la cabeza; nace de dentro. Es, en origen, visceral. Aunque más tarde pase por un proceso racionalizador que depure ese impulso inicial. Parafraseando a Gaya, ha de “brotar del nido del alma y no de la caja del espíritu”.

Toda obra nace, en el fondo, de la decepción que produce la anterior. La creación es predisposición y ganas de trabajar. Partiendo de esa premisa se pueden lograr maravillas. Una vez un maestro me dijo: “cuando una cosa te sale bien, ten cuidado; no es buena señal”. Podría parecer paradójico o incluso absurdo, pero en realidad se trata de una reflexión muy lúcida. El creador ha de estar en constante búsqueda, y por tanto la autocomplacencia resulta un mal aliado. Refocilarse en los logros obtenidos probablemente nos impide alcanzar otros nuevos: nos vuelve conformistas. Muchos autores encuentran dificultades a mitad de su trayectoria, como si toparan con una gran laguna que les impide seguir adelante y evolucionar; una fosa de la que no pueden salir. Y es porque llegan a un punto en el que no encuentran nuevos conocimientos que adquirir. Quizá, por ejemplo, su ambiente ya no tiene nada más que ofrecerles en el plano pictórico. Son periodos de duda, inseguridad, vacío y crisis creativa. Al final se acaba perdiendo el estímulo. Es triste, porque el mecanismo del tiempo no da tregua a nadie. Se entra en una espiral que supone un momento muy delicado para el creador. Cuando te quieres dar cuenta, el tiempo se te ha echado encima. Es una muerte en vida, sin ninguna esperanza de futuro.

Ramón Cortez Cabello

Retrato de Ramón Cortez Cabello / Óleo sobre tela 100 x 73 cm / México

El retrato de Ramón Cortez Cabello Ganador del X Concurso Literario internacional Ángel Ganivet 2016, con la obra "Crónica de un maestro". Su retrato es un óleo sobre tela de 100 x 73 cm, (México.) No puedo dejar de compartir mi solidaridad y el orgullo cuando los veo alcanzar sus objetivos literarios. Ramón Cortez Cabello es uno ellos.

Son complicados los mecanismos que suceden tras las diversas trayectorias artísticas. A veces se explican de muchas maneras, pero realmente cada autor las siente en su forma individual. Lo cierto es que no dejamos de intentar de entender todos estos aspectos cada vez que tomamos los pinceles. –Pero porque esa sensación de desagrado o de falta de empatía cuando tenemos que repetir o volver a una pintura, escultura o trabajo literario cuando es nuestro –.

Yo siempre lo sentí así “Detrás de cada obra empezada hay un grado de decepción que solo se supera con la ilusión de empezar la próxima.” Es el impulso irremediable que se presenta ante la creatividad, como la ilusión de cada nuevo pensamiento, es la vena que llevamos dentro, Pero en la creatividad, la casualidad, la extravagancia, el libre albedrío o la falsedad nunca lo llevarán implícito. Se necesita algo más honrado.

Federico García Lorca

 Retrato del escritor Federico García Lorca  / Óleo sobre tela 116 x 89 cm / Colección Museo Nacional del Teatro / Almagro 2017 / Alejandro Cabeza

No hace mucho realizaba un retrato del escritor Ramón Cabanillas, considerado el poeta más representativo del siglo XX en lengua gallega, un orgullo y bandera para su región. Aunque a veces nos cuesta menos convertirnos en profetas fuera de nuestra tierra que dentro de ella. Lorca representa un ejemplo bien distinto: trasciende fronteras y se convierte en patrimonio nacional. No solemos pensar en él tanto como un poeta andaluz, sino más bien como un uno de los poetas y dramaturgos españoles más representativo. De hecho, incluso como un autor universal. La influencia de Lorca sobre Leonard Cohen constituye sólo uno de los muchísimos ejemplos que se podrían citar como prueba. Al margen del propio talento literario, ese privilegio tiene más que ver con la capacidad del autor de lograr que el público se sienta identificado con su obra.

Este retrato de Lorca materializa un proyecto largamente acariciado y supone un reto debido al respeto que infunde ese monstruo literario que fue el granadino, y también por lo dramático de su temprana desaparición. Incomprensiblemente, la representación plástica de alguien tan admirado parece muy reducida, lo que siempre ha llamado mi atención. Al margen de caricaturas, carboncillos e ilustraciones, no conozco más que tres óleos que lo han inmortalizado: el pequeño retrato de juventud obra de Gregorio Prieto (Valdepeñas, 1897 - 1992), otro de mayor tamaño de José Gregorio Toledo (La Palma, 1906 - 1980) donde Lorca se representa sentado con un batín amarillo y un tercer retrato de José Caballero (Huelva, 1915-1991) que le inmortaliza con un libro entre las manos. Si repasamos la obra de los autores contemporáneos, sólo podemos destacar los trabajos del pintor Eduardo Naranjo para su serie sobre Poeta en Nueva York. Nadie más parece haberse interesado por retratar a Lorca.

El mío es un Lorca de mirada penetrante y directa. A través de ella he intentando plasmar la trascendencia del autor. Encontrar en el fondo de sus ojos al escritor pero también al ser humano: un Lorca que, serio, mira al mundo ya no con alegría, como en sus fotos de juventud, sino con desconfianza. Quise encontrar al Lorca que no llegó a los cuarenta años. Tras estudiar otras posibilidades en un retrato de perfil, he pretendido un retrato sobrio con una composición muy clásica, como los que inmortalizaron a los grandes escritores del romanticismo, pues creo que la relevancia del personaje y su enorme herencia literaria lo justifica.

Mi retrato de Federico García Lorca se integra en los fondos del Museo Nacional del Teatro de Almagro, que este año ha decidido festejar con su presentación al público el Día Internacional de los Museos.

El Museo Nacional del Teatro se ha convertido en un lugar de referencia para todos los amantes del teatro clásico. En sus salas podremos disfrutar de cuadros de importantes autores como: Juan Antonio Benlliure (Valencia, 1860-1930), Luis de Madrazo (Madrid, 1825-1897), Antonio María Esquivel (Sevilla, 1806 -1857), Luis Taberner y Montalvo (Madrid, 1844-1900), Anselmo Miguel Nieto (Valladolid, 1881-1964), Ramón Zaragoza Álvarez (Asturias, 1874-1949), César Álvarez Dumont (Huelva, 1866-1945), Salvador Viniegra (Cádiz, 1862-1915), José María Romero (Sevilla, 1815-1880), Prudent Louis Leray (Francia, 1820-1879), Juan Antonio Morales (Valladolid, 1909-1984)… Muchos de estos retratos representan a los principales actores y actrices del momento, revelando la consideración social alcanzada por estos durante el siglo XIX.