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Rafael Domènech i Gallissà

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Retrato de Rafael Domènech i Gallissà / Óleo sobre tela de 73 x 60 cm / Alejandro Cabeza 2017 . 

Rafael Domènech y Gallissà cursó estudios de derecho en la Universidad de Valencia, y estudios de bellas artes en la Escuela de esta ciudad. Muy pronto, sus intereses intelectuales se orientaron hacia la estética y la historia del arte. En 1898 ganó la cátedra de teoría e historia de las bellas artes en la Escuela de San Carlos de Valencia. Entonces se interesaba por el Modernismo y el catalanismo: «como todos los catalanes, pensamos y sentimos en catalán, y Cuando escribimos castellano, traducimos», dejó escrito en un texto sobre Rusiñol (La Lectura, 1901). Alexandre de Riquer diseñó en 1902 su exlibris y Ramon Casas le haga un retrato poco después (Barcelona, ​​Museo Nacional de Arte de Cataluña, 1904). En Valencia ejerció como catedrático hasta 1903, y después ocupó el mismo lugar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, en Madrid. Entonces aspiraban a aquella plaza Francisco Murillo Herrera, Narciso Sentenach, Armando Cotarelo y Valledor y Rafael Balsa de la Vega, entre otros.

Destaca su contribución a la Exposición Universal de Madrid en 1913 (Vilanova y la Geltrú, 1910) y su papel en el comité organizador del pabellón español en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París en 1925. El 1910 fue elegido por la Junta para la Ampliación de Estudios e Investigaciones Científicas para completar su formación sobre estos temas en el extranjero. Entonces se vio obligado a renunciar, pero la Junta le volvió a otorgar en 1914 una nueva pensión de dos meses para «estudios de la Organización y Funcionamiento de los Museos de Artes Industriales», según consta en la Real orden de concesión, aunque no pudo completar todo el período previsto debido al inicio de la Primera Guerra Mundial. En aquella época ya había sido, durante más de un año, director del Museo Nacional de Artes Industriales -que después se llamó Museo de Artes Decorativas, inspirado en el Museo de South Kensington de Londres. Fue nombrado para este cargo en enero de 1913, y ya era miembro del patronato de este museo. Ocupó este cargo hasta su muerte, así como el cargo de director de la Escuela Especial de Pintura, Escultura y Grabado de Madrid, para el que había sido nombrado en 1926, a petición del claustro de profesores. 

La contribución de Rafael Domènech a la crítica de arte y al estudio de artistas contemporáneos se encuentra entre las más destacadas de su generación y constituye una faceta fundamental de su perfil intelectual. Aunque fue ajeno a cualquier complicidad vanguardista, mostró una gran atención hacia todos los artistas formados después del impresionismo, que interiorizan como el referente de la modernidad de su tiempo

Como historiador del arte, recibió el encargo de realizar el catálogo artístico y monumental de la provincia de Tarragona en 1909, que se conserva manuscrito en la biblioteca del Consejo Superior de Investigaciones Científicas en Madrid, y publicó un buen número de trabajos de varios tipos sobre pintores españoles. Destaca La Casa del Greco (Barcelona, H. de J. Thomas; reeditado y traducido varias veces), en la colección «El Arte en España», promovida por el patronato Comisaría Regia del Turismo y Cultura Artística, a la que también se 'incluyen dos libros sobre Goya en el Museo del Prado, uno dedicado a las pinturas y otro, los tapices.

Murió de manera repentina en su casa, en la calle Huertas, número 84 y fue enterrado en el cementerio de la Almudena. Estaba casado con Soledad Amorós, con quien tenía un hijo, Jaime. Sus contemporáneos lo elogiaron por su vastísima cultura, el entusiasmo por el arte, las dotes docentes y la extraordinaria capacidad comunicativa.

Retrato de Damián Eliaš

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Retrato de Damián Eliaš / Óleo sobre tela de 55 x 46 cm / Alejandro Cabeza 2021.

En plena crisis sanitaria, con todas las restricciones habidas y por haber, mascarillas, toques de queda, sin posibilidad de reunirse para fotografiar al retratado y con menos posibilidad de pensar en realizarlo del natural; solo con la opción de que el modelo ofrezca fotografías de su propio móvil. “Un retrato actual, moderno, pero sin perder la elegancia clásica”, fueron las principales peticiones del interesado… Casi nada.

Partiendo de una sólida formación retratística, el trabajo de Damián Eliaš ofrece un ejemplo de dónde se puede llevar una pintura a pesar de tener todas las adversidades en contra. El retrato ostenta virtudes como su sencillez y la soltura. Jugando con las sombras del rostro, en una ligera penumbra, resalta su mirada directa. A pesar de su distinción, pues se podría decir que casi parece un lord inglés, no cae en el amaneramiento ni en el excesivo detalle sobre el personaje. Todas estas variables, manejadas a conciencia, dan forma, en su conjunto, a un retrato de resultados, a mi juicio, óptimos, que conquistan la plena satisfacción del cliente.

Me resulta mucho más interesante como materia pictórica la realidad alternativa que la propia realidad. La realidad alternativa es una ilusión, un deseo, una aspiración. La realidad verdadera a veces se convierte en lastre y en un obstáculo.



Jesús Carballo García Taboada

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Retrato de Jesús Carballo García Taboada / Óleo sobre tela 61 x 46 cm / Colección Museo de 
Prehistoria y Arqueología de Cantabria / Alejandro Cabeza 2016.


Jesús Carballo fue un investigador incansable: realizó un extenso estudio de la Geología de los Picos de Europa, exploró los abismos y colinas de la Sierra de Silos, descubrió restos de mamuts en Pámanes (Cantabria) y arte rupestre en Sepúlveda, escribió el proyecto oficial de iluminación de la cueva de Altamira y llevó a cabo las primeras campañas de excavación en la ciudad romana de Julióbriga, publicando numerosos artículos entre 1941 y 1957. También es su primera sistematización sobre la Edad del Hierro (escribe un breve artículo sobre los castros de la región, aunque muchos de los restos arqueológicos estudiados eran, en realidad, castillos de la alta Edad Media). Ardiente defensor de las tesis celtocantabristas, Carballo publicó obras sobre las estelas discoides cántabras y las supuestas tumbas y castros celtas, y defendió la identidad celta de los cántabros.

Se puede contar entre sus obras la creación de un museo dedicado a la Prehistoria en 1926. Antes, por la ausencia de una institución especializada en el tema, las donaciones de materiales arqueológicos se depositaban en el Museo Municipal de Santander. En 1925, la Diputación acordó la creación de un Museo de Prehistoria en el Instituto de Ensinanza Media, incorporando la colección del Marqués de Comillas. La fundación oficial de este museo, por el que tanto saltó Jesús Carballo, tuvo lugar el 29 de agosto de 1926, con la presencia de Alfonso XIII, quien recordó su visita a las excavaciones de 1917 y 1918 en la Cueva de Morín, a la que Carballo rebautizó Cueva del Rey. Varios años después de este éxito logró nombrar un director y fundar una comisión, que también dirigió, destinada a reconocer cuevas que tuvieran depósitos o pinturas. Su vida profesional giraba en esos años en torno a exploraciones encaminadas a la obtención de materiales para el Museo, sobre todo tras su nombramiento en 1941 como Comisionado Provincial de Excavaciones. Durante la Guerra Civil, Carballo resguardaba los fondos del Museo y buscaba una vivienda permanente (Suárez, 1995), que obtuvo en 1941, cuando logró trasladar los materiales al sótano del edificio de la Diputación y se inauguró el Museo Provincial de Prehistoria. . Otro de los logros en esta disciplina fue la creación en 1934 del Centro de Estudios Montañeses, y su revista Altamira, donde se publicaron dos artículos dedicados a la Prehistoria antes de la década de 1950, uno del propio Carballo, socio de la entidad, sobre el Suano. cueva. 


Vestida con un traje regional valenciano

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Vestida con traje regional valenciano / Óleo sobre tela 116 x 89 cm / Colección particular 2019.

Hoy, 19 de marzo, es un día triste para los valencianos: el segundo año que no celebran su fiesta principal. Demasiadas ilusiones y esperanzas rotas que ahogan una pasión por la que se vive y se siente cada día del año.

Cuando profundizamos en el regionalismo o costumbrismo desarrollado en la pintura figurativa, no podemos dejar de pensar en la actualidad en un arte anacrónico y tedioso muy arraigado a lo local dentro de lo anecdótico con un sentido útil solo para nostálgicos. También trae esa visión miniaturizada y más apagada de lo que es la profesión de un pintor. Los grandes pintores regionalistas-costumbristas acabaron por convertirse en autores solo para coleccionistas que demandaban este tipo de trabajos asociados al bajo coste, creando otra lacra que desvirtuó el género.

Pero no es cierto, yo no lo percibo así, el costumbrismo es rico, lleno de valores, de elementos que han pertenecido desde siempre a la pintura, al pueblo, a la identidad. No hay que olvidarse que detrás de todos estos grandes maestros también se especializaron en "la pintura de historia", "el retrato" o "el paisaje". Con una necesaria técnica, un gran oficio y un buen concepto se forman los pintores, esto se tiene que tener en cuenta para entender este tipo obras. Solo bastaría imaginarse cada una de esas escenas locales lo que hubieran sido integradas en grandes formatos, el impacto universal que hubieran creado en el arte.

Elijo mi retrato de Salomé disfrazada de valenciana, en óleo sobre tela de 116 x 89 cm, colección particular (Madrid, 2019). Una atmósfera bucólica, crepuscular, con una sensualidad espontánea, llena de matices coloristas. Así resuelvo este magnífico retrato de Salomé vestida con traje regional. Detrás de este retrato de valenciana hay todo un juego de color que me ofrece un gran abanico de posibilidades, sensaciones y expresiones. Casi tanto como si de un paisaje se tratara. Ya simplemente este aspecto que me brinda el retrato regionalista bastaría para no dejarlo de practicar.

Pio Baroja

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Retrato de Pio Baroja / Óleo sobre tela 41 x 33 cm /  Colección particular.


–¿Cuál es su personal definición de la pintura como arte? Su definición en general. Y, en su caso, ¿del “retrato” y del “paisaje”?

Cuenta Plinio que un artista de talento llama­do Pyreicus se hizo célebre pintando cosas hu­mildes: confiterías, zapaterías e interiores de cocina. La gente, indignada de que así se profa­nara la nobleza del arte, dio al pintor el mote despectivo de «rhyparógrafo» (pintor de motivos bajos). Entre esta gente enemiga de la pintura humilde abundaban sin duda tipos de carácter d'annunziano del tipo, que para alguno de nosotros es distintivo de un carácter próximo a la cursilería.

Los pintores del Norte, y sobre todo los fla­mencos, parecen casi todos «rhyparógrafos» y pintaron con delectación cocinas, zapaterías, ven­tas, posadas y tabernas, con sus tipos habituales. Yo también me siento «rhyparógrafo», porque me parece mucho más típica como materia literaria la vida del pobre que la vida del rico. La riqueza es deseable para el que no disfruta de ella; pero como motivo artístico es tan vulgar o más que la pobreza.

Pio Baroja

Considero el retrato uno de los géneros principales en la pintura. ¿Qué actividad puede revelarse más noble que el estudio del ser humano, de nuestros semejantes? Creo sinceramente que tras su práctica se esconde un mecanismo psicológico: la búsqueda de muchas de las preguntas sin respuesta. La complejidad del ser humano es tan grande que, por esa misma razón, resulta merecedora de un profundo análisis. El acercamiento a lo humano puede hacernos mejores y más nobles. En nuestra imperfección, alimentamos la obsesión de encontrar alguna perfección. Y eso es lo que consigue el arte. Cada retrato refleja una parte de vida que el artista ha de extraer del modelo. Y el pintor ha de saber advertirla, captarla y plasmarla. Por eso, lo que la gente vea en mis retratos, eso serán. Y muchos ven cosas en ellos. Mensajes que aspiro a trasmitir. Esto demuestra que, en efecto, esos retratos están justificados y realmente sirven.


El paisaje, por el contrario, podría considerarse la otra cara de una misma moneda. Ambas, indisolublemente unidas: no existe creación sin destrucción. El arte no puede prescindir de ellas, de ninguna de las dos: ni de lo humano ni de lo natural. Como animales que somos, la naturaleza está dentro de nosotros, en nuestro instinto. Si el ser humano encuentra toda su trascendencia en la pintura, la madre tierra se convierte en el escenario perfecto de su grandiosidad. 


(Ediciones COMOARTES, Colección Contemporáneos del Mundo 29, Serie Indagación sobre la memoria y el juicio, Madrid/México D. F., 2013.) “La pintura es memoria humana y fruto” 

Caballero con sombrero

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Retrato de Caballero - Autorretrato con sombrero / Óleo sobre tela 46 x 38 cm / Alejandro Cabeza / 2019 


En cierta ocasión, un “medio-pintor” me preguntaba, qué porque me pintaba autorretratos puesto que es un género de poca utilidad para la venta. Mi contestación fue contundente: porque es bueno, es interesante, porque me gusta y puede resultar revelador. Es un género que siempre se ha practicado a lo largo de la historia. Es gratuito, altruista con uno mismo, liberador y despreocupado. Educa y muestra verte como lo hacen los demás, -si una persona pudiese hablar con otro yo igual, se mostraría tan extraño y enriquecedor a la vez-. El que lo practica, encuentra otro concepto muy distinto del arte para alcanzar otras perspectivas de la pintura. Porque está impregnado de un sentimiento personal, a veces desgarrador. Porque el oficio irremediablemente te lleva a ello. Porque cada pintor tiene cosas dentro de una mirada pudiéndolas sacar a través de un reflejo. Porque puede ser un punto de partida. Son mi huella, mi reverberación. Porque quizás te enseña a valorarte. Y, sobre todo, porque el autorretrato tiene algo de libertad que hace a los pintores más viscerales con sus obras, eso vale mucho en pintura. Y esto tiene su propia paradoja, “con lo que menos vas a ganar es con lo que más vas a ganar”.

Me he pasado media vida viendo cuadros, de unos y de otros, aquí y allá. He visto trabajos descuidados, desprovistos de mensaje, pintados con aparente indiferencia, grandes proyectos frustrados, cosas absurdas y, a veces, desagradables… Y todos ellos tenían un elemento en común: todos esos cuadros, casualmente, estaban rodeados por espectadores que los aclamaban como si de grandes obras de arte se tratase. Y todo para que luego muchos de esos autores abandonasen la pintura y se dedicasen a otros menesteres. Descorazonador. Aunque por otro lado los buenos pintores quizá salgan beneficiados de esta circunstancia: cuanto más grises se muestren algunos autores, más brillarán, indirectamente, los verdaderos maestros.

La formación de un pintor es producto de la experiencia y la trayectoria personal; pero también, y mucho, de las lecturas sobre arte que se hayan realizado y de cuánta pintura se haya visto. Muchas de las cosas que he aprendido en mi carrera como pintor, las he aprendido en los libros. Sobre todo, porque quienes escribieron esos libros pasaron antes que nosotros por nuestras mismas vicisitudes u otras muy similares. Aunque a veces la interpretación de esos textos se vuelve muy compleja. Los libros de color, por ejemplo, resultan difíciles, física pura. Casi parece como si se hablara en otro idioma.

La escuela también se revela fundamental en la formación de un buen pintor. Yo tuve la suerte de contar con excelentes profesores, e intenté aprovechar sus enseñanzas. No existe libertad sin formación previa.



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