Philippe G. Brahy

Retrato de Philippe G. Brahy en un óleo sobre tela de 35 x 31 cm. Pintor Alejandro Cabeza 2026.

Es un boceto de la cabeza del pintor Philippe G. Brahy. Con un enfoque en primer plano, realizo este ensayo para retrato de una forma suelta y espontánea; el retrato se integra en una atmósfera clásica. Su peculiar estructura nos evoca los sobresalientes retratos de caballeros del Siglo de Oro con su lechuguilla y sus peculiares andanzas de la literatura caballeresca..

Sin utilizar este complemento anacrónico que aislaba los rostros, pero introducía un elemento que contrastaba con los cuellos, emulo una visión del cuello del hombre de una forma redondeada donde encuentro matices igual de útiles en su masa.

El retrato se ve suelto, preciso, captando los rasgos identificativos del pintor belga: un personaje de compostura ósea robusta, de un perfil de fuerza y personalidad sugerente envuelto en la elegancia del claroscuro, cualidad de la sombra que la carga de misterio. La luz incide de forma estratégica sobre los planos principales del rostro, modelando los volúmenes sin caer en el detallismo superfluo, para centrar la atención en la firmeza de la mirada y la arquitectura de la cabeza. Este tratamiento lumínico establece una continuidad dialogante entre la tradición académica y la soltura de la pincelada directa, permitiendo que la materia pictórica conserve la frescura del momento en que fue ejecutada.

Esta aproximación bebe directamente de la tradición del barroco español y de la sobriedad retratística heredada de los maestros como Velázquez o Ribera. Al prescindir de artificios ornamentales, el peso compositivo recae en la contención del gesto y la austeridad expresiva, logrando que el retratado adquiera una presencia noble y monumental que conecta la soltura actual con el poso de la gran pintura de historia.

Pintor Alejandro Cabeza

Salomé Guadalupe Ingelmo 2020

 Retrato de Salomé en un óleo sobre tela de 46  x 38 cm. Pintor Alejandro Cabeza

"El arte no acepta la competencia de la amplitud y de la profundidad de la naturaleza: se atiene a la superficie de los fenómenos naturales. Pero posee una propia profundidad, una propia fuerza: fija los momentos supremos de esos fenómenos superficiales, reconociendo lo que ellos tienen de legal, es decir, la perfección de la proporción teleológica, la cumbre de la belleza, la dignidad de la significación, la altura de la pasión. Al parecer, la naturaleza quiere operar por sí misma; el artista, en cambio, actúa como hombre y en virtud del hombre. A partir de lo que la naturaleza nos ofrece, sólo interpretaríamos pobremente lo deseable y lo susceptible de ser gozado en la vida. Lo que el artista le presenta al hombre debe ser accesible a todos y agradar a los sentidos; debe excitar y seducir, gustar y satisfacer a todos; alimentar, formar y elevar el espíritu de todos. De ese modo, el artista, agradecido a la naturaleza, porque ésta también lo produjo a él mismo, le devuelve una segunda naturaleza; pero sentida, pensada, es decir, humanamente concluida. Pero si tal cosa debe suceder, el genio, el artista destinado, ha de obrar según leyes y reglas que le prescribe la naturaleza misma, ya que ésta no las contradice. Las reglas constituyen la mayor de las riquezas, porque el artista aprende a usar y a dominar la gran opulencia de la naturaleza, tanto como la del propio ánimo". –Goethe 

Es de gran importancia lo que las palabras de Goethe definen, es el acto en si al que se enfrenta el artista. Es una reflexión profunda sobre la relación entre el arte, la naturaleza y el ser humano. En esencia, plantea que el arte no es una simple imitación de lo que vemos, sino una recreación humana y perfeccionada de la realidad.  Es absurdo y pobre intentar calcar rostros..., imitar fotografías..., o ponerse a imprimir retratos desde el plano de la realidad. Goethe sostiene que el artista no ha de intentar competir con la inmensidad física de la naturaleza. En lugar de eso, el artista ha de tomar lo que la naturaleza ofrece y procesarlo a través del sentimiento y el pensamiento. El resultado es lo que el llama una "segunda naturaleza" que está "humanamente concluida". confirmando en su virtud, que el arte completa lo que en la naturaleza parece disperso o encubierto.  Es en esa "segunda naturaleza" de las cosas,  donde el arte intenta quedarse con lo esencial de los fenómenos (lo visual, lo tangible), poseyendo su propia profundidad. Donde se produce "el poder, la magia, la excelencia...". El artista tiene la capacidad de captar "El momento supremo": la cumbre de la belleza o la altura de una pasión, algo que en la naturaleza es efímero pero que en el arte se vuelve eterno.

-Pintor Alejandro Cabeza

Retrato de viejo relojero

Retrato de viejo relojero en un óleo sobre tela de 41 x 33. Pintor Alejandro Cabeza 2024

Viejo relojero; un hombre con sombrero oscuro y barba blanca con unas gafas redondas por el desgaste de la visión nos observa de manera directa. Es un tema recurrente del aspecto de la senectud. El rostro destaca en una atmosfera de  tonos oscuros con un trato de pincel directo y suelto y unos resultados excelentes.

Es fundamental comprender y valorar el impacto que tiene el estado emocional, físico y mental de un autor en el proceso creativo. Crear una obra de arte no es simplemente un acto técnico; es una expresión profunda del ser, un reflejo del estado interno del creador. Cuando el autor se encuentra en un estado de agitación o cansancio, la capacidad de plasmar sus trabajos con claridad y profundidad se ve comprometida, de la misma manera que cuando un borracho se pone a manos de un vehículo con el peor desenlace. La calidad de la obra queda condicionada y, en muchos casos, en su defecto resultará inferior a su potencial creativo.

A lo largo de los años, llego a comprender que esta exigencia personal tiene un efecto transformador en la manera de enfrentarse a un lienzo y en los resultados de una pintura. Con el tiempo, es natural que se pinte menos, pero, por el contrario, buscando una mayor calidad. Este fenómeno no solo responde a la madurez técnica adquirida con la experiencia, sino también a un proceso de depuración interna. Aprendemos a priorizar la calidad sobre la cantidad, a valorar la introspección y entender que cada obra requiere de nuestra máxima dedicación y atención para crear nuestras pinturas.

El arte de pintar, como toda forma de arte, nos plantea demandas específicas. No solo pide tiempo y habilidades técnicas, sino también una conexión emocional profunda, una evaluación sincera y un estado de serenidad que permita un compromiso completo. En ocasiones, no estamos dispuestos o preparados para ofrecer lo que nos exige, pero es precisamente en esos momentos cuando debemos recordar que el arte es también un ejercicio de discipulado.

-Pintor Alejandro Cabeza

Felipe VI en el Alcázar de Toledo: El retrato oficial del Pintor Alejandro Cabeza

"Retrato de S.M. el Rey Felipe VI (Uniforme de Tierra)" / Óleo sobre tela de 146 x 89 cm
Colección Museo del Ejército, Alcázar de Toledo / Pintor Alejandro Cabeza 2016

Haber tenido el privilegio de pintar a S.M. el Rey Felipe VI para dos de las instituciones militares más emblemáticas de España me ha permitido explorar la figura del monarca desde perspectivas plásticas muy diferenciadas. Mientras que en el retrato destinado al Museo del Aire la composición se baña en una luz más fría y etérea, acorde al uniforme azul y al espíritu de la aeronáutica, en esta obra para el Museo del Ejército en el Alcázar de Toledo busqué una presencia más física y terrosa. El uniforme de diario del Ejército de Tierra exigía una pincelada más matérica y un tratamiento del color donde los tonos caquis y ocres reforzaran la sobriedad y la solidez institucional que emana de una sede con tanta carga histórica.

La virtud de estas dos obras radica en cómo el formato y el vestuario condicionan la psicología del retrato. En la pieza de 146 x 89 cm para Toledo, la escala me permitió dotar al Rey de una prestancia más monumental, centrando la atención en la firmeza de la figura y en un estudio de luces que acentúa los relieves y la mirada. Por el contrario, la versión para el aeródromo de Cuatro Vientos destaca por su pulcritud y la elegancia del uniforme de gala, donde la técnica se vuelve más minuciosa para describir los detalles de las condecoraciones. En ambos casos, mi objetivo como pintor ha sido siempre el mismo: ir más allá del parecido oficial para hallar esa humanidad serena que define al retratado.

Para mi trayectoria, ver estos lienzos integrados en los fondos nacionales de defensa supone la culminación de un diálogo entre el arte y el servicio público. Cada museo custodia una faceta de nuestra historia, y el hecho de que mis pinceles hayan podido interpretar la jefatura del Estado tanto para la aviación como para la infantería es un honor que asumo con humildad. Son dos visiones de un mismo Rey: una inspirada en la verticalidad del cielo y otra en la firmeza del terreno, pero ambas unidas por el rigor del naturalismo y el respeto que merece la representación de nuestra más alta magistratura.

Pintor Alejandro Cabeza

Entrevista Completa | Museo del Ejército

García de Silva y Figueroa

Retrato de García de Silva y Figueroa
Óleo sobre tela de 61 x 50 cm / Pintor Alejandro Cabeza 2017

García de Silva y Figueroa (1550 - 1624), nacido en Zafra, fue un diplomático y explorador español fundamental en las relaciones con Oriente. Tras su paso por Flandes y servir en la Secretaría de Estado, fue designado por el rey Felipe III para encabezar la misión diplomática ante la corte safávida de Abás el Grande, en Persia.

Durante su estancia en Persia, Silva y Figueroa realizó un extenso viaje visitando ciudades como Isfahán, Shiraz y Qom. Sin embargo, su mayor legado intelectual fue la descripción detallada de las ruinas de Persépolis. Sus cartas y escritos causaron una gran impresión en Europa, siendo el primer occidental en mencionar específicamente los caracteres de la escritura cuneiforme.

Pese a los desafíos diplomáticos y las disputas con los intereses comerciales en Goa, la obra de Silva y Figueroa permanece como uno de los primeros y más detallados testimonios europeos sobre la geografía y cultura persa del siglo XVII.

Pintor Alejandro Cabeza

Montserrat Caballé en el Museo Nacional del Teatro

Montserrat Caballé en el Museo Nacional del Teatro
Óleo sobre tela 100 x 73 cm / Pintor Alejandro Cabeza 2019

Abordar la figura de Montserrat Caballé en un formato de estas dimensiones exige algo más que destreza técnica; requiere una inmersión absoluta en el eco de su legado. En este lienzo, que hoy forma parte de la colección del Museo Nacional del Teatro, la pincelada busca expandirse con la misma generosidad con la que su voz envolvía los escenarios.

Pintar el recuerdo es, en cierta medida, volver a escuchar. Mientras el óleo va dando forma a la mirada, uno cree percibir la sutil vibración de un aria de Puccini o la fuerza contenida de un drama verdiano. En este retrato de 2019, he buscado que la materia pictórica respire, que la atmósfera sea el escenario donde la persona prevalece sobre el mito.

Este cuadro es mi humilde tributo a una mujer que hizo de la música su hogar, una senda de excelencia que también transité al retratar al maestro Joaquín Rodrigo.

Wikipedia | Museo Nacional del Teatro

Pintor Alejandro Cabeza

Retrato de Philippe Brahy

Retrato de Philippe G. Brahy en un óleo sobre tela de 55 x 46 cm. Pintor Alejandro Cabeza 2025

Mi agradecimiento a Philippe Brahy por la confianza depositada en mi trabajo. Su retrato es un óleo sobre tela de 55 x 46 cm. La seguridad y la confianza son factores importantes. Cuando la confianza interviene en la pintura pueden nacer retratos como este. Una vez más, apelo a la importancia de la documentación a la hora de pintar retratos a demasiados kilómetros de distancia; para mí, es aún más interesante que otras fórmulas de trabajo, prácticas indispensables para mejorar en el oficio de pintar.

Mi devoción por el retrato me hizo pintor. Este género no solo centra mi interés, sino que da forma a toda mi visión creativa. Considero que la historia del arte es inseparable de la figura y su realidad; es su columna vertebral. Siento una atracción magnética hacia cada nuevo retrato que descubro en los grandes de la historia. El retrato es el puente que conecta el arte con lo más profundo del ser humano.

La pintura que infunde la tradición de pintar sigue estando vigente. Son retratos que me fascinan, una fascinación causada por las numerosas manifestaciones que ha sufrido este género y su mirada durante siglos. Aún se pueden crear retratos diferentes lejos de los convencionalismos, con logros elegantes, originales y llenos de novedades inesperadas.

Como nos cuenta Gaya en su magnífico ensayo, las obras de arte han de brotar "Desde el nido del alma, y no de la caja del espíritu". Una buena pintura no es efímera: permanece, nos acompaña a lo largo de la vida. En ese permanecer, la pintura trasciende incluso a quien la posee, colmándola de una profunda humanidad.

El retrato de Philippe Brahy concentra aspectos esenciales de su personalidad. Envuelto en una atmósfera íntima, la luz lo revela en una postura relajada, con una leve inclinación que sugiere el gesto de pintar. En su mano sostiene un pincel, mientras una sutil sonrisa invita al espectador a detenerse ante su rostro. Se trata de un retrato espontáneo, alegórico y libre. Observen: en su frente reposa un punto de luz, una pincelada dorada, abrupta en su espesor; es un destello singular, "una pincelada de oro" llena de brillantez.

Pintor Alejandro Cabeza