Retrato de Philippe Brahy

Retrato de Philippe G. Brahy en un óleo sobre tela de 55 x 46 cm, Pintor Alejandro Cabeza 2025 

Mi agradecimiento a Philippe Brahy por la confianza depositada en mi trabajo. Su retrato es un óleo sobre tela de 55 x 46 cm. La seguridad y la confianza son factores importantes, será otro asunto a tratar más adelante. Cuando la confianza interviene en la pintura pueden nacer retratos como este. Una vez más, apeló a la importancia de la documentación a la hora de pintar retratos a demasiados kilómetros de distancia, para mi, es aún más interesante que otras fórmulas de trabajo, prácticas indispensables para mejorar en el oficio de pintar. De ello dependerá los resultados de un buen trabajo con mejor o peor acierto, pero también residen allí sus posibilidades para alcanzar la excelencia, y con ello, el entusiasmo personal.

Mi devoción por el retrato me hizo pintor. Este género no solo centra mi interés, sino que da forma a toda mi visión creativa. Considero que la historia del arte es inseparable de la figura y su realidad; es su columna vertebral. Siento una atracción magnética hacia cada nuevo retrato que descubro en los grandes de la historia, y cada uno confluye en un poderoso análisis individual. El retrato es el puente que conecta el arte con lo más profundo del ser humano; su persistencia ha sido nuestra salvación.

La pintura que infunde la tradición de pintar sigue estando vigente. Las alegorías sobre la pintura en esta profesión están presentes. Son retratos que me fascinan. Una fascinación que es causada por las numerosas manifestaciones que ha sufrido este género y su mirada durante siglos. Aún se pueden crear retratos diferentes lejos de los convencionalismos. La imaginación arrastra al retrato para estar inmersa en él, ser actual y útil, actuando con cierto riesgo, al final desemboca en logros elegantes, originales, llenos de novedades inesperadas.

Como nos cuenta Gaya en su magnífico ensayo, las obras de arte han de brotar "Desde el nido del alma, y no de la caja del espíritu" La pintura… el retrato… poseen una fuerza que se graba en cada uno de nosotros. Rara vez lo pensamos, pero una buena pintura no es efímera: permanece, nos acompaña a lo largo de la vida, mucho más que cualquier objeto de nuestra cotidianidad mundana. En ese permanecer, la pintura trasciende incluso a quien la posee. Y solo este hecho basta para dignificarla con grandeza, colmándola de una profunda humanidad.

El retrato de Philippe Brahy concentra aspectos esenciales de su personalidad. Envuelto en una atmósfera íntima, la luz lo revela en una postura relajada, con una leve inclinación que sugiere el gesto de pintar. En su mano sostiene un pincel, mientras una sutil sonrisa invita al espectador a detenerse ante su rostro. Se establece así un diálogo directo: el retratado observa al espectador y viceversa, unidos en un mismo lenguaje. Se trata de un retrato espontáneo, alegórico y libre, de una naturalidad clásica. Observen: en su frente reposa un punto de luz, una pincelada dorada, abrupta en su espesor, es un destello singular, casi sagrado que rara vez se presenta en las pinturas contemporáneas y pocas veces tiene la oportunidad de realizarse. "Una pincelada de oro" llena de brillantez, que tardará meses en secarse.

Les invito a que se acerquen al canal del pintor surrealista Philippe Brahy y lo sigan, comenten... opinen... o lean. En sus publicaciones, también encontrarán la naturalidad de la persona. Canal donde podrán ver sus trabajos. Un compañero más en esta aventura salvaje que es el arte.

Gracias desde España estimado amigo

Mariano Benlliure

 Retrato de Mariano Benlliure en un óleo sobre tela de 46 x 33 cm. Pintor Alejandro Cabeza 2024

Retrato de perfil del gran maestro de la escultura española, Mariano Benlliure. Una obra que anhelaba realizar, motivada por mi profunda admiración hacia este ilustre escultor, quien supo alcanzar en su trabajo el paradigma de la representación figurativa.

El enfoque del retrato captura su perfil distintivo, resaltado por su característico bigote y realzado con un atuendo oscuro que enmarca su rostro. Unas gafas de sol redondas añaden un aire enigmático, contrastando con un fondo indefinido que acentúa su presencia. Los juegos de luz se intensifican mediante la aplicación de pintura en capas densas, interactuando con la textura del lienzo. El resultado es una obra suelta, espontánea y precisa.

Un retrato basado en una figura inspiradora, capaz de motivar y estimular los principios más importantes del arte de retratar, no solo representa un rostro, sino que transmite una esencia, una historia y una emoción. Esta obra invita a reflexionar sobre las múltiples posibilidades que se pueden explorar al momento de retratar, desde la elección de la técnica y la paleta de colores hasta la forma en que la luz y la sombra dialogan en el lienzo.

Retrato de Joaquina 2001

Retrato de Joaquina en un óleo sobre tela de 55 x 46 cm. Pintor Alejandro Cabeza 2001

Esta obra es una nueva versión del retrato de Joaquina, realizada en 2001. Aunque respeta la misma posición que la otra, en esta ocasión la atmósfera es ligeramente más fría, lo que le otorga un matiz diferente, quizás más introspectiva. El resultado final fue muy satisfactorio, pero el proceso no estuvo exento de dificultades. Cada trazo implicó la resolución de problemas técnicos y artísticos que hicieron un retrato complicado para encontrar el dibujo preciso con la soltura adecuada, todo en un conjunto armonioso. La dificultad aumenta aun más cuando se realiza de personas que ya no están con nosotros, donde hay que echar mano de la memoria y el recuerdo.

Cada uno de los retratos que realizo es más que una simple imagen: representan un propósito, una propuesta y, sobre todo, una ilusión. Con el tiempo, esa ilusión se convierte en un compromiso, no solo con la obra en sí, sino con la idea que la sustenta. Es un compromiso consciente, una entrega plena a la exploración artística, a la búsqueda de significado y expresión.

A lo largo de los años, en distintas etapas de mi vida, incluso en los momentos más difíciles, esta pasión ha permanecido intacta. La pintura sigue siendo ese espacio donde encuentro mi voluntad y mi verdad, donde reafirmo aquello en lo que siempre he creído. Para mí, pintar no es solo un acto creativo, sino una forma de sentir, de entender y de vivir el arte.

Gabriel Miró

Retrato de Gabriel Miró en un óleo sobre tela de 55 x 46 cm / Pintor Alejandro Cabeza 2024

Gabriel Miró es otro de los ilustres autores levantinos de la literatura española que represento en esta pintura de fondo claro. La figura esta tratada con una soltura general que le da cierta frescura y  resolución precisa.

Continúo desarrollando una línea de obras que se caracterizan por el uso predominante de tonos claros entre amarillos y ocres, cuidadosamente seleccionados para crear una atmósfera única. Estas tonalidades, lejos de ser meramente decorativas, juegan un papel crucial en la composición, pues logran irradiar una luz muy especial que envuelve y resalta el rostro. Esta interacción entre luz y color no solo define el contorno y las formas, sino que también potencia esos matices sutiles que solo pueden surgir en estos entornos luminosos contrastando con trajes oscuros o negros

Es en este juego de contrastes suaves y gradaciones delicadas donde encuentro la mayor expresividad, permitiendo que las emociones fluyan de manera casi palpable. El entorno creado no es solo un marco para el retrato, sino un elemento activo que acompaña y refuerza la presencia del escritor. La luminosidad, además, tiene el poder de sugerir una sensación de calma, introspección y armonía, invitando al espectador a contemplar con atención.

Cada pincelada es un intento por capturar ese equilibrio casi efímero entre la luz y la sombra, la claridad y el volumen, buscando siempre que la obra transmita una sensación de autenticidad y vitalidad que trascienda lo puramente visual. Estos ambientes, lejos de ser casuales, son fruto de una constante exploración de las posibilidades que ofrecen los colores claros y las texturas, para alcanzar un resultado que impacte de manera excepcional cercano a la realidad interpretativa.

Gabriel Miró Ferrer nació en Alicante (1879 - Madrid, 1930). Al igual que otros miembros de la llamada «generación de 1914» (Wenceslao Fernández Flórez, Benjamín Jarnés, Ramón Pérez de Ayala), dejó atrás los cánones del realismo decimonónico y renovó la narrativa peninsular, en su caso por la vía de un exquisito lirismo. Sus obras, calificadas de novelas líricas y poemas en prosa, se centran en sensuales descripciones paisajísticas.

César Vallejo

Retrato de César Vallejo en un óleo sobre tela de 46 x 38 cm. Pintor Alejandro Cabeza 

El retrato de César Vallejo se incorpora a mi colección de grandes autores latinoamericanos que he venido desarrollando a lo largo de los últimos años. En estos escritores busco capturar no solo la imagen física del personaje, sino también transmitir algo de la profundidad y complejidad que caracteriza su obra y su legado. En el caso del retrato de Vallejo, optó por representarlo con un perfil cerrado, donde su rostro emerge con fuerza sobre un fondo claro que permite destacar sus facciones tan singulares y definidas.

Los perfiles se prestan a poder practicar un estudio más importante del cráneo en comparación con un retrato de frente. La oreja, los pómulos, la sien o la nariz se presentan de una manera muy marcada en comparación con otras posiciones. Los puntos de luz en esta obra cobran una gran importancia en el perfil, ya que son los que definen el rostro y sus facciones con simples gestos de luz acompañados con ligeros matices de sombra en una forma entrelazada y espontánea en la ejecución. El fondo, nuevamente indefinido concentra que el rostro tome toda la importancia sin más distracción

Su expresión refleja un momento de introspección profunda, con la cabeza ligeramente inclinada hacia adelante, como si estuviera sumido en una reflexión intensa, característica de su mente creativa y filosófica. Quise retratarlo en ese estado de meditación que evoca la poesía, cargada de sentimientos universales y una búsqueda constante de sentido en medio del sufrimiento humano. La postura sugiere no solo un gesto físico, sino también una actitud mental, propia de un autor que, con su obra, trascendió los límites de su tiempo y lugar, explorando el dolor, la esperanza y la condición humana.

Alonso Quijano

Retrato de Alonso Quijano en un óleo sobre tela de 73 x 60 cm. Pintor Alejandro Cabeza

Es la célebre idealización del retrato de Alonso Quijano, el insigne personaje caballeresco de El Quijote, conocido por su defensa de causas ajenas en nombre de la justicia, la protección de los débiles, el honor y el amor. Este noble caballero se preocupa más por los demás que por sí mismo, una característica que define su pensamiento y su esencia. Alonso Quijano, más conocido como Don Quijote, es un reflejo de la lucha por ideales elevados y la búsqueda incesante de un mundo mejor, aunque a menudo lo haga a través de la lente de la locura.

Aunque la caricatura resultaría útil y grotesca para extenderse ante la excentricidad del pèrsonaje, mi representación solo se centra en la realidad de un hombre, de un sencillo rostro que busca la singularidad de un sujeto, un personaje de mirada recelosa. Lo interpreto mirando al espectador, con presencia solemne, caballeresca, con un atuendo oscuro lo encuadro en un cuello blanco, sujetando firmemente un manuscrito en la mano y alguna otra cosa indefinida, nos observa con cierta inquietud o desconfianza, un momento antes de la locura «Se enfrascó tanto en su lectura, que se le pasaban las noches leyendo de claro en claro, y los días de turbio en turbio, y así, del poco dormir y del mucho leer, se le secó el cerebro, de manera que vino a perder el juicio».

La riqueza del personaje se manifiesta en los innumerables pasajes de la obra, que permiten explorar su complejidad en una diversidad de momentos. Don Quijote es, en muchos sentidos, un espejo de la humanidad: cada uno de nosotros llevamos dentro un fragmento de su locura y bondad, de su espíritu aventurero y su anhelo de salvación, de su integridad y su profunda reflexión sobre la condición humana. Y es en esa multitud donde he querido buscar, un poco de Lope, un poco Quevedo, un poco Góngora o un poco de el mismo, la pintura nos permite esto de la misma manera que lo hace la literatura. Esta identificación universal con Alonso Quijano, hace que su figura trascienda el tiempo y el espacio, convirtiéndose en un arquetipo literario y humano.

Acercarse a Don Quijote es emprender camino tan fascinante como la propia lectura de la novela. Interpretar su realidad es también interpretar al propio Cervantes. A través de Don Quijote, nos ofrece una mirada crítica de su época, reflejando las contradicciones y la grandeza del siglo de oro español. En este renacimiento cultural, Cervantes brilla con esplendor, y su creación se presenta como un monumento literario que sigue inspirando a generaciones de lectores y escritores.

Son numerosas las obras que han intentado acercarse y rendir homenaje a este símbolo de la literatura universal. La influencia de él se extiende a través de los siglos, impactando en la literatura, el arte, la filosofía con la cultura popular. Cada reinterpretación añade nuevas capas de significado y mantiene viva la llama de la quijotesca búsqueda de ideales en un mundo imperfecto. En este sentido, Don Quijote no solo pertenece a su tiempo, sino que se convierte en un compañero eterno en la travesía del ser humano hacia la comprensión de sí mismo y de su entorno.

Maestro Serrano

Retrato del Maestro Serrano en un óleo sobre tela 46 x 38 cm. Pintor Alejandro cabeza

Este fue el primero de los dos retratos que realicé del célebre músico valenciano, el primero en 2014 y el segundo en 2018. En comparación con el segundo, este retrato se distingue por sus cualidades más precisas. Aunque ambos son de un tamaño similar, en este opté por destacar al músico en un escorzo, utilizando tonalidades ocre. Los músicos suelen tener una energía especial, muy activa, que se refleja en sus miradas intensas y poses ágiles, a veces desafiantes, algo que busqué capturar en este retrato.

Hablaba sobre el origen popular de las fallas y el folclore valenciano con gran admiración, era como su música, una extensión de sus orígenes y su pueblo, lo manifestaba con un tono de nostalgia, como de aquellas generaciones que terminan perteneciendo a dos mundos muy diferentes con los cambios del siglo XX, nos decía: “Me gustaban, sobre todo, aquellas fallas típicas de barrio rodeadas de banderolas y gallardetes, construidas, si se quiere, con poco arte, pero con una Gracia y una intención que las hacían perdurar en la memoria por mucho tiempo”

José Serrano Simeón

Los músicos, al igual que los pintores, son artistas capaces de dar vida a las emociones y sentimientos más profundos y significativos de los seres humanos a través de sus obras. Con su creatividad, transforman la experiencia humana en melodías y armonías que pueden conmover, inspirar y transportar a quienes los escuchan. Sin embargo, en su camino como grandes poseedores del arte, enfrentan constantes desafíos y deben luchar con determinación para mantener viva su pasión y autenticidad. Enfrentados a un mundo donde el arte a veces se subestima o se ve reducido a un simple entretenimiento, los músicos deben perseverar, defendiendo la importancia y el valor de su profesión, conscientes de que su labor trasciende el tiempo y la cultura, dejando una huella imborrable en el alma de la humanidad.

Lope de Vega

Retrato de Lope de Vega en un óleo sobre tela de 55 x 46 cm. Colección Museo Nacional del Teatro.  

Pintor Alejandro Cabeza 2016

En 2016 realice el retrato de Lope de Vega que ahora es patrimonio del Museo Nacional del Teatro donde se puede ver expuesto en una de las salas dedicadas al siglo de Oro Español. El retrato ha participado en diversas exposiciones como la que se le hizo en la reapertura del museo realizando una exposición con el  traje que utilizó la actriz María Guerrero en 1921 para interpretar a Finea que es el mismo con el que también retrató Joaquín Sorolla a la actriz en el personaje principal de la comedia "La dama boba” junto a un busto de Lope de Vega y la reinterpretación de mi retrato de fondo.

Es un retrato sobrio en el que la figura emerge de un fondo oscuro y espontáneo, destacando únicamente el cuello de una camisola blanca. Desde la penumbra surge un rostro que nos observa con una mirada analítica y con cierto aire de solemnidad. El retrato sigue una línea clásica muy al estilo de los personajes de su época o del Siglo de Oro, retratos estos, que suelen concentrar toda la atención en el personaje envolviéndolos de un misterio, acción, y a veces incluso leyenda.

Sobre la vida de Lope de Vega "Se afirma que cada una de sus experiencias de vida quedó plasmada en su obra literaria. El escritor mexicano Alfonso Reyes expresó sobre él: "Ya sea que robe a una mujer o la abandone, que pelee, huya, sea desterrado o encarcelado, que actúe como intermediario para el duque de Sessa, negocie con los encantos de una pecadora o profane los hábitos, parece que lo hace con el propósito de vivir la trama de una novela, el drama de una historia, el entretenimiento de un entremés, la poesía de un poema, o los versos de arrepentimiento que escribirá al día siguiente"

"No hay en el mundo palabras tan eficaces ni oradores tan elocuentes como las lágrimas"

Lope de Vega

Autorretrato 2016

Autorretrato 2016  en un óleo sobre tela de 46 x 38 cm. Pintor Alejandro Cabeza 

Colección particular 2016

El autorretrato me lo realice en el año 2016. Es uno de esos retratos de pequeño formato donde consigo representarme con la frescura y espontaneidad que se presta en estos tamaños. Es un retrato de busto, en un perfil de tres cuartos, donde me presento con mi gorra gris a juego con la chaqueta. También llevo mis pequeñas gafas ejecutándolas de una forma esquemática, simplificada, sumando un pequeño matiz que juega con la distancia en la cara, objeto muy útil que enriquece el rostro causando efecto en las trasparencias. Estos elementos y recursos, en su mayoría, están insinuados perfilándose en trazos amplios y precisos, que en conjunto muestra una resolución esplendida en los resultados finales.

Los autorretratos son una forma de estudio de otros retratos. Se analizan nuevos tonos, fondos y planteamientos para composiciones en supuestas obras más elaboradas o importantes si tener el riesgo de la equivocación o improvisación. Para mí, esta sería su principal motivación. La disposición de nuevas telas y su diversidad de granulados serian suficiente motivo de análisis y estudio para enfrentarse a la hora de pintar. Estos estudios incrementan la destreza y visión de artista, tanto en el entrenamiento de la observación, como en la práctica de la ejecución. Prácticas que por otra parte también forman parte de un análisis evolutivo y cronológico del artista.

Como se puede observar la pintura esconde estas peculiaridades personales que son parte de un oficio y tradición. Todo un ejercicio de aprendizaje que se suman a la hora de realizar una pintura. Nos muestra la complejidad de un autor y lo tiene alrededor de su profesión. Aunque la mayoría de estos aspectos no se ven, estas circunstancias estarán muy presentes, directa o indirectamente incluso en los propios trabajos. Son las respuestas de la profesión en el arte de pintar.

León Felipe

Retrato de León Felipe en un óleo sobre tela de 55 x 46 cm. Pintor Alejandro Cabeza

León Felipe (Zamora, 11 de abril de 1884 - Ciudad de México, 18 de septiembre de 1968), fue un poeta español. El nombre de León Felipe, con el que se ha consagrado como uno de los grandes poetas de lengua española, y por el que se lo conoce universalmente.

León Felipe recordaba con afecto el paisaje castellano que influyó profundamente en su sensibilidad poética, presente en sus primeros y últimos libros. La familia se mudó a Santander en 1893, donde Felipe estudió en varios colegios y no fue un estudiante sobresaliente, pero tampoco mediocre.

En 1900, comenzó a estudiar Farmacia en Valladolid y luego en la Universidad Central de Madrid, graduándose en 1905. Felipe mostró interés por el ambiente literario madrileño, lo que prolongó su estancia hasta 1907.

De vuelta en Santander, Felipe administró la farmacia familiar, pero tras la muerte de su padre en 1908, la situación económica empeoró y terminó perdiendo la farmacia. En 1912, dejó Santander y se dedicó al teatro en Barcelona y Valencia. Fue detenido en 1915 y condenado a prisión en Santander, donde comenzó a escribir sonetos inspirados por El Quijote.

Liberado en 1916, Felipe se instaló en Balmaseda y publicó su primer poema en 1918. Adoptó el nombre literario León Felipe y publicó "Versos y oraciones de caminante" en 1920, marcando su debut literario.

En 1920, León Felipe fue a Guinea Ecuatorial como administrador de hospitales, pero en 1923 decidió no regresar y emigró a México, donde vivían dos de sus hermanas. En México, conoció a Berta Gamboa, con quien se casó en Nueva York en 1923. Trabajó como profesor de español y traductor, y en 1929 publicó "Versos y oraciones de caminante. Libro Segundo".

Durante la Guerra Civil Española, León Felipe apoyó activamente a la República y, tras la guerra, se exilió en México, donde continuó escribiendo y participando en actividades literarias y políticas. Sus obras durante el exilio incluyen "La Insignia", "El Hacha" y "El gran responsable". También tradujo y adaptó obras de Shakespeare y otros autores.

León Felipe se convirtió en una voz esencial del exilio español en México, destacándose por su poesía comprometida con la justicia y la verdad. Su obra "Ganarás la luz" (1943) es un reflejo de este compromiso. Continuó escribiendo y participando en la vida literaria hasta su muerte en 1968.

En reconocimiento a su legado, se le han rendido numerosos homenajes tanto en México como en España, conmemorando su vida y obra en varias ocasiones, como en su centenario en 1984. Su influencia perdura como una figura clave de la poesía española y del exilio republicano.

José María Gabriel y Galán

Retrato de Gabriel y Galán / Óleo sobre tela de  55 x 46 cm / Pintor Alejandro Cabeza 

Un gran poeta sin ninguna duda, del pueblo y para el pueblo, por desgracia para él, para los extremeños y para este país lleno de ínfulas de grandeza. Olvido a quien pertenece y elevo a quien no lo merece. Como siempre.

"Porque infama la negrura / de la siniestra figura / de hombres que hundidos están / en un sopor de incultura / con fiebre de hambre de pan". Posteriormente el monarca Alfonso XIII señaló que fue a través de estas poesías es como tomó conciencia del problema de un territorio que aún tardaría en visitar. Osea, ni puñetero caso. Como siempre.

José María Gabriel y Galán nació en Frades de la Sierra, Salamanca el 28 de junio de 1870 y murió en Guijo de Granadilla el 6 de enero de 1905 con apenas 35 años. El poeta con dos casas museo, una en Salamanca y otra en Guijo de Granadilla, tiene un embalse con sus nombre en Cáceres, Con diversos monumentos por Extremadura como el del escultor el de Enrique Pérez Comendador de Cáceres, el de Monumento a Gabriel y Galán por Eliseo Ruiz Corisco en Plasencia o el del andaluz Juan Cristóbal de Salamanca. Y aun de esta manera, se convierte irremediablemente, en uno de esos casos, por muerte prematura, que lo arrastra al olvido en el mundo literario y social. Como siempre.

El retrato muestra al poeta en sus plenitud, no conozco ninguna representación o pintura de su periodo o posterior, solo un fondo documental fotográfico escaso y pobre, del que me he basado. Me quedo con una frase suya "Nunca es definitivo el éxito ni perenne el fracaso."

“¡Quiero vivir! A Dios voy.

Y a Dios no se va muriendo:

se va al Oriente subiendo

por la breve noche de hoy.

De luz y de sombras soy

y quiero darme a los dos.

¡Quiero dejar de mí en pos

robusta y santa semilla

de esto que tengo de arcilla,

de esto que tengo de Dios!”

Gabriel y Galán

Marcelino Sanz de Sautuola

Retrato de Marcelino Sanz de Sautuola en un óleo sobre tela de 60 x 50 cm. Colección del Museo Nacional de Altamira Pintor Alejandro Cabeza 2016.

Naturalista y descubridor de la cueva de Altamira. En 1879 descubrió las pinturas de Altamira, el primer conjunto pictórico prehistórico de gran extensión conocido hasta el momento, aunque, murió en el más absoluto descrédito tras ser acusado de falsificación.

Marcelino Sanz de Sautuola, junto con su hija María, realizaba exploraciones en las cuevas de la región buscando restos fósiles y artefactos arqueológicos. Durante una de estas expediciones, María Sanz de Sautuola observó unas extrañas manchas en el techo de la cueva de Altamira. Marcelino, intrigado por las observaciones de su hija, decidió investigar más a fondo. Fue así como Marcelino Sanz de Sautuola descubrió las sorprendentes pinturas rupestres que adornaban las paredes y techos de la cueva. Estas pinturas, que representaban principalmente animales como bisontes, ciervos y caballos, eran de una calidad artística excepcional y revelaban un avanzado nivel de habilidad técnica por parte de sus creadores prehistóricos.

Sin embargo, la comunidad científica de la época recibió con escepticismo el descubrimiento de Sanz de Sautuola. Muchos expertos consideraron que las pinturas eran demasiado sofisticadas para haber sido creadas por seres humanos prehistóricos, y surgieron acusaciones de falsificación en su contra. Sanz de Sautuola enfrentó un período de descrédito y desilusión, aunque mantuvo firmemente la autenticidad de las pinturas.

Alejo Carpentier

Retrato de Alejo Carpentier en un óleo sobre tela de 46 x 38 cm. Pintor Alejandro Cabeza

“Escritor comprometido soy y como tal actúo... trataré de realizar las tareas que aún me quedan por cumplir en el reino de este mundo.”

Alejo Carpentier y Valmont (Lausana, Suiza, 26 de diciembre de 1904 - París, Francia, 25 de abril de 1980) fue un destacado escritor cubano cuya vida estuvo marcada por su profunda conexión con la literatura, la música y la política.

Nacido en una familia de raíces diversas, con un arquitecto francés y una profesora rusa como padres, Carpentier se trasladó a La Habana con su familia a una edad temprana. A pesar de haber iniciado estudios de arquitectura, su pasión lo llevó hacia el periodismo y la escritura. A partir de 1921, se destacó como periodista en varias revistas, mientras también exploraba el mundo de la música.

Sus convicciones políticas lo llevaron a enfrentarse al régimen de Machado, lo que resultó en su encarcelamiento en 1927 y su posterior exilio a París en 1928. En la capital francesa, entró en contacto con movimientos vanguardistas como el surrealismo, colaborando con destacadas figuras como André Breton.

Fue en este período cuando publicó su primera novela, ¡Ecué-Yamba-Ó! (1933), aunque su obra más emblemática, "El reino de este mundo", marcaría su consolidación como escritor. Durante su estancia en España, estableció amistad con importantes poetas de la Generación del 27.

Regresó a Cuba en 1939 después de participar en el II Congreso por la Defensa de la Cultura en España. Continuó su carrera periodística y literaria, contribuyendo al panorama cultural de su país. Sin embargo, entre 1945 y 1959 vivió en Venezuela, regresando a Cuba tras la revolución liderada por Fidel Castro.

En sus últimos años, desempeñó roles importantes en el ámbito cultural y diplomático, destacándose como director de la Editora Nacional y vicepresidente del Consejo Nacional de Cultura en Cuba, así como consejero cultural en varias embajadas cubanas en el extranjero. Finalmente, pasó sus últimos días en Francia, donde se desempeñó como funcionario diplomático en la embajada de París. Alejo Carpentier dejó un legado literario y cultural que perdura hasta el día de hoy.

Joaquín Turina

Retrato de Joaquín Turina  en un óleo sobre tela de 41 x 33 cm / Pintor Alejandro Cabeza  2016

Mi pasión por la música y sus compositores ha sido una constante en mi vida. Recuerdo innumerables madrugadas y frías noches en vela dedicadas a escuchar sus obras, con la música siempre presente en mis pensamientos. En particular, evoco las fascinantes composiciones de Chopin, desde sus preludios hasta sus estudios. A pesar de que algunos de ellos eran simples bocetos o arreglos breves, con duraciones inferiores a un minuto, estaban impregnados de una intensidad y un sentimiento profundos. Me maravillaban especialmente sus opus 25, por el vigor y el brillo que transmitían. En esa época, mi mente también se sumergía en el mundo de la pintura, llegando al punto de desear plasmar cada una de esas partituras en un cuadro. En aquel entonces, mi enfoque se inclinaba más hacia los paisajes, con la idea de crear obras de pequeño formato que reflejaran las características únicas de cada pieza para piano. Sin embargo, este proyecto nunca llegó a materializarse y se desvaneció con el paso del tiempo.

Tras el período del romanticismo y la era de los compositores europeos, emergieron los notables autores españoles, tales como Isaac Albeniz, Enrique Granados y Joaquín Turina. Estos destacados maestros de la música encarnan un profundo sentido lírico y una vitalidad enérgica. Cada uno de ellos logró cautivarme con su poderosa expresividad. Mi relación con su música se asemejó a la experiencia de adentrarse en el mundo de los pintores impresionistas; al inicio, la atención se concentra en los franceses, pero con el tiempo, se revela la riqueza y grandeza de nuestros propios exponentes artísticos.

El retrato muestra a Turina en su etapa con bigote, capturando su esencia de manera austera y sencilla. Retrato que se integra la colección en la colección de retratos de músicos que incluye a Joaquín Rodrigo, José Serrano Simeón y la soprano Montserrat Caballé.

Estefanía Bernabé Sánchez

Retrato de Estefanía Bernabé Sánchez / Óleo sobre tela 100 x73 cm / Pintor Alejandro Cabeza 2019

Estefanía Bernabé Sánchez (Barcelona, España, 1976). Licenciada en Filología Hispánica y, gracias al trabajo de investigación titulado Los signos del Juicio Final: Gonzalo de Berceo y la tradición escatológica medieval, Máster en Estudios Medievales Hispánicos por la Universidad Autónoma de Madrid. Se doctora en Letras por la Universida de Federal do Rio Grande do Sul (Brasil) con una tesis dedicada al medievalismo hispánico, Signa Iudicii: orígenes, fuentes y tradición hispánica, que recibió el premio internacional Ana M. Aldama Roy de Estudios Clásicos. Entre 2006 y 2007 desarrolló actividades docentes en la Universidad de Cantabria (Santander, España). Fue profesora asociada en el Instituto Cervantes de Porto Alegre (Brasil) de 2010 a 2014. Formó parte del Laboratorio de Estudios da Antiguida de Oriental, vinculado al Programa de Posgrado en Historia y al Departamento de Artes Visuales de la Universidad e Federal do Rio Grande do Sul. Tras impartir también clases en la Pontificia Universidad Católica del Perú, en la actualidad es profesora de Historia Medieval en la Universidad de la República, en Uruguay.

Antonio Aguilar y Vela

Retrato de Antonio Aguilar Vela  en un óleo sobre tela de 50 x 40 cm / Pintor Alejandro Cabeza 2016  

Colección Real Instituto y Observatorio de la Armada 

Antonio Aguilar y Vela fue un astrónomo español que emigró a Francia a los diecinueve años por razones políticas. Estudió Matemáticas y Física en el Colegio Real de Angulema en Francia y luego regresó a España en 1845, donde se dedicó a la enseñanza privada. En 1847, obtuvo una cátedra de Matemáticas Elementales en la Universidad de Valladolid y posteriormente se trasladó a la Universidad de Santiago como catedrático de Matemáticas Sublimes.

Aguilar fue seleccionado para revitalizar el Observatorio de Madrid, que había sido destruido en 1808 durante la invasión francesa. En 1847, junto con Eduardo Novella, fue enviado al Observatorio de la Marina de San Fernando en Cádiz para recibir formación en astronomía bajo la tutela de Francisco de Paula Márquez. Luego, realizaron un extenso viaje por observatorios en Italia, Francia, Bélgica, el Reino Unido y Alemania para obtener información y contactos necesarios para adquirir instrumentos para el Observatorio de Madrid.

En Turín, se reunieron con Plana, director del Observatorio, y en Padua trabajaron con Santini, el director del observatorio local, realizando observaciones astronómicas, incluyendo el cálculo de órbitas de un nuevo asteroide y un cometa. Sus observaciones fueron publicadas en 1850. También visitaron París, Greenwich y Alemania para adquirir instrumentos.

En noviembre de 1851, se creó el Observatorio Astronómico de Madrid, y Antonio Aguilar asumió el cargo de director. Además, enseñó astronomía en la Universidad Central de Madrid. Durante su mandato de más de treinta años como director del observatorio, se involucró en diversas áreas de investigación astronómica, incluyendo la observación de planetas, cometas, asteroides, eclipses de Sol y estrellas circumpolares.

Posteriormente, Aguilar trabajó en la determinación de posiciones geográficas y colaboró con el Observatorio de París para determinar la diferencia de longitud entre las dos instituciones. Además, fue miembro de la Real Academia de Ciencias Exactas, Físicas y Naturales, donde ocupó el cargo de secretario general desde 1861 hasta su fallecimiento.

Max Aub

Retrato de Max Aub en un óleo sobre tela de 61 x 46 cm / Pintor Alejandro Cabeza 2016  

Colección del Museo Nacional del Teatro de Almagro

Max Aub (París, 1903 - Ciudad de México, 1972) fue un novelista, dramaturgo, poeta y crítico español. Es una de las principales figuras de la literatura española en el exilio, término que engloba a una serie de autores (como Ramón J. Sender, Francisco Ayala, Arturo Barea, Alejandro Casona, Rosa Chacel y Segundo Serrano Poncela, entre otros) que se vieron obligados a abandonar el país después de la derrota de la República en la Guerra Civil y que, debido al régimen del general Francisco Franco (1939-1975), no pudieron regresar y desarrollaron la mayor parte de su obra en el extranjero.

Max Aub era hijo de una madre francesa y un padre alemán de origen judío que residían en España desde 1914. Estudió en Valencia y trabajó en el negocio familiar. Comenzó su carrera literaria colaborando en publicaciones como Azor y la Revista de Occidente. Aunque se le asocia con la Generación del 27 debido a su vanguardismo, resulta difícil incluirlo completamente en ella. Durante la Guerra Civil española, estuvo del lado republicano y colaboró con André Malraux en la realización de la película "Sierra de Teruel". En 1942 llegó a México después de pasar por un campo de concentración en Francia y Argelia. En la Ciudad de México desarrollaría una actividad intelectual excepcionalmente rica, especialmente en el ámbito del cine.

En 1929 publicó "Geografía", una obra estéticamente vinculada a la Generación del 27; más tarde, en 1933, publicó "Fábula verde", en la misma línea estética. Con "Luis Álvarez Petreña" (1934), inauguró lo que se conoce como "literatura deshumanizada". Entre sus novelas más destacadas se encuentran "Las buenas intenciones" (1954), una recreación irónica en la tradición de Pérez Galdós, y "La calle de Valverde" (1961), relacionada con la agitación política en los últimos años de la dictadura y escrita también en clave realista. Su obra maestra es "El laberinto mágico", una serie compuesta por seis obras que giran en torno a la Guerra Civil, desde "Campo cerrado" (1943) hasta "Campo de los almendros" (1968).

Max Aub también cultivó una literatura de textos y autores apócrifos, donde lo inventado se presenta como realidad histórica. Ejemplos de esto son "Antología traducida" (1963), "Vida y obra de Luis Álvarez Petreña" (1943-70), donde expande su obra de 1934, y "Josep Torres Campalans" (1958), una novela que incluye una entrevista al protagonista, una lista de hechos de la época y un catálogo de los escritos de ese personaje imaginario.

Su pasión por los cuentos se refleja en colecciones como "No son cuentos" (1944) y "Los pies por delante" (1975), entre muchas otras. Como autor teatral, atravesó tres etapas llenas de títulos: la vanguardista previa a la guerra,

Inca Garcilaso de la Vega

Retrato de Inca Garcilaso de la Vega en un óleo sobre tela de 73 x 60 cm / Pintor Alejandro Cabeza 2019

"Retrato de Inca Garcilaso de la Vega" es una obra de arte del siglo XXI que representa al ilustre escritor y cronista peruano, Inca Garcilaso de la Vega. Una retrato realizado en 2019  que incorporo a mi colección de grandes literatos de la historia.

El retrato muestra a Garcilaso de la Vega con ropa de la época y un medallón en el pecho en un retrato de medio busto. La expresión en su rostro es serena y reflexiva, mostrando la sabiduría y la inteligencia que caracterizan su obra literaria.

Con este retrato mi intención ha sido la de darle un valor iconográfico y cultural. Además de su exclusividad como representación. La mayoría retratos de ilustres personajes toman esta virtud en su trasfondo, creando una fuente importante de información como en este caso de quien fue Garcilaso de la Vega y su posición en la sociedad colonial en América Latina.

En el retrato he intentado reflejar la herencia mestiza de Garcilaso de la Vega, que se refleja en los rasgos faciales del personaje y su ropa, que mezcla elementos europeos e indígenas. Esta mezcla de culturas es un tema recurrente en la obra literaria de Garcilaso de la Vega, que buscaba crear una identidad única para los pueblos de América Latina.

En conclusión, el "Retrato de Inca Garcilaso de la Vega" es una representación póstuma de información sobre la vida de uno de los escritores más importantes de la literatura hispanoamericana. Es un testimonio de la complejidad de la identidad mestiza en la sociedad colonial y un recordatorio de la importancia de la literatura como herramienta para entender nuestra historia y cultura.

Antonio Machado

Retrato de Antonio Machado en un óleo sobre tela de 55 x 46 cm pintor Alejandro Cabeza 2015 

Retrato

Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla

y un huerto claro donde madura el limonero;

mi juventud, veinte años en tierra de Castilla;

mi historia, algunos casos que recordar no quiero.

Ni un seductor Mañara ni un Bradomín he sido

—ya conocéis mi torpe aliño indumentario—;

mas recibí la flecha que me asignó Cupido

y amé cuanto ellas pueden tener de hospitalario.

Hay en mis venas gotas de sangre jacobina,

pero mi verso brota de manantial sereno;

y, más que un hombre al uso que sabe su doctrina,

soy, en el buen sentido de la palabra, bueno.

Adoro la hermosura, y en la moderna estética

corté las viejas rosas del huerto de Ronsard;

mas no amo los afeites de la actual cosmética

ni soy un ave de esas del nuevo gay—trinar.

Desdeño las romanzas de los tenores huecos

y el coro de los grillos que cantan a la luna.

A distinguir me paro las voces de los ecos,

y escucho solamente, entre las voces, una.

¿Soy clásico o romántico? No sé. Dejar quisiera

mi verso como deja el capitán su espada:

famosa por la mano viril que la blandiera,

no por el docto oficio del forjador preciada.

Converso con el hombre que siempre va conmigo

—quien habla solo espera hablar a Dios un día—;

mi soliloquio es plática con este buen amigo

que me enseñó el secreto de la filantropía.

Y al cabo, nada os debo; debéisme cuanto he escrito.

A mi trabajo acudo, con mi dinero pago

el traje que me cubre y la mansión que habito,

el pan que me alimenta y el lecho en donde yago.

Y cuando llegue el día del último viaje

y esté a partir la nave que nunca ha de tornar,

me encontraréis a bordo ligero de equipaje,

casi desnudo, como los hijos de la mar.

Antonio Machado 

Retrato de Adrián

 Retrato de Adrián en un óleo sobre tela de 61 x 50 cm / Colección particular 

Pintor Alejandro Cabeza  2022 

Ese óleo de Simberg le ilumina y, al tiempo, le quema por dentro. Le atrae, le atrapa irremediablemente a pesar de las tinieblas que rememora en su alma. Ese cuadro es, paradójicamente, su guía, la memoria que le empuja a construir un futuro mejor. Y también, su conciencia, ésa que no le permitirá jamás olvidar.

Contempla horrorizado el familiar rostro del niño que le observa fijamente, directamente a los ojos. Las facciones duras de las cuales ha desaparecido cualquier rastro de piedad, en las que ya es imposible adivinar la ingenuidad ni la inocencia. La mirada desafiante, los finos labios apretados, convertidos apenas en dos líneas obstinadas. La sinrazón de la tozudez, impuesta por la fuerza bruta, que se adivina en el gesto… Entonces sus ojos impresionados se posan, como cada vez, en la figura desprotegida del pequeño ángel. Y recuerda el color ceniciento de las ojeras y el rostro demacrado de aquel compañero…

(Fragmento de El ángel herido, en Salomé Guadalupe Ingelmo, La imperfección del círculo, Libros de las Gaviotas, Ediciones COMOARTES, Madrid/México D. F.  2012)